Тольяттинский художественный музей был открыт в 1987 году к празднованию 250-летия Ставрополя-Тольятти. Первоначально музей имел статус филиала Куйбышевского (Самарского) художественного музея, но в 1992 году он получил самостоятельность и был преобразован в муниципальный Тольяттинский художественный музей, имеющий перспективы дальнейшего развития.
С самого своего основания Тольяттинский художественный музей активно пополняет свои фонды произведениями тольяттинских мастеров, представляющих различные виды и жанры искусства. В 1991 г. в музей поступила значительная часть живописных, графических произведений, несколько скульптурных работ, а также предметов декоративно-прикладного искусства тольяттинских художников, входящих ранее в отдел изобразительного искусства Тольяттинского краеведческого музея. Большинство художников приехали к нам из крупных городов Советского Союза и стояли у истоков образования Тольяттинского отделения Союза художников России.
Их можно назвать по именам – тех, кто в начале 70-х годов создавал своим трудом и упорством будущую тольяттинскую организацию Союза художников России. Это скульптор Лев Мартынов, живописцы Валерий Бузин и Алексей Панкеев, график Георгий Голубицкий, график и резчик по дереву Вадим Киселев, художник по тканям Лидия Кондратьева, художники по металлу Виталий Коршунов и Николай Чекмарев. Со временем к ним присоединялись многие известные в городе художники, такие как Шандор Зихерман, Евгений Казанцев, Елена Латышева-Мацкевич, Владислав Мацкевич, Виталий Петров, Виктор Петров, Борис Чеченин, Михаил Зыков, Алексей Кузнецов, Анатолий Алехин, Надежда Овсянникова и другие. Иные из них в последующие годы уехали, некоторые ушли из жизни, остальные продолжают свою плодотворную творческую деятельность в нашем городе.
Особое внимание при формировании коллекции музей уделял и уделяет художественным процессам, происходящим на волжской земле и, конечно же, в Тольятти. В фонд художественного музея произведения тольяттинских художников попадали разными путями – в течение нескольких лет делались целевые закупки работ у авторов, или их владельцев; после проведения персональной выставки, когда автор дарит музею свое произведение. С 2001 по 2010 гг. в Тольяттинском художественном музее проводился конкурс «Художественное произведение года». Около ста тольяттинских художников каждый год выносили на суд жюри и зрителей свои творения, но только одно из них становилось «произведением года» и закупалось в фонды музея.
Коллекция произведений тольяттинских мастеров в фондах музея представлена большим самостоятельным блоком – более 70 художников и более 700 произведений живописи, графики, скульптуры и изделий декоративно-прикладного искусства. В их разнообразных по жанрам и художественным приемам работах (в основном это реалистическое и абстрактное искусство), находят отражение главные тенденции развития современного искусства.
Данная коллекция подбиралась таким образом, чтобы показать стилистическое и жанровое разнообразие художественной жизни Тольятти, начиная с 70-х годов ХХ века и до настоящего времени. Большинство художников в 80-х – 90-х годах состояли в различных творческих союзах – Союзе художников России, Творческом союзе художников России, Клубе художников-ветеранов ВОВ, объединении «Палитра», творческой группе «Журмарин», ИЗО-клубе Тольятти, художественном объединении «Пантеон» и творческом союзе художников «Солярис». Многие художники уже уехали из Тольятти, некоторых уже нет в живых, но произведения их остались в фонде музея и представляют не только художественную, но и историческую ценность для города.
Коллекция произведений тольяттинских художников очень разнообразна – здесь есть и классические портреты и натюрморты, абстрактные и обобщенно-символические композиции, но большую часть работ составляют близкие нашему сердцу волжские пейзажи – Волга, Жигулевские горы, село Зольное, Бахилова поляна, Ширяево, городские окрестности и многое другое.
Музей большое внимание уделяет подбору авторских коллекций тольяттинских художников. В настоящее время в фондах представлены коллекции Михаила Зыкова (1945-2005), Валерия Филиппова, Валерия Бузина (1946-1995), Сергея Дергуна, Владимира Сабаева (1962-1995), Николая Шумкина (1937-2009), Игоря Бурмистенко (1937-2003) и других авторов. Произведения, созданные одним автором в разные годы, позволяют проследить, как менялись изобразительные приемы мастера, его художественное виденье, какие темы волновали художника.
Небольшой раздел коллекции тольяттинских художников составляют произведения наивного искусства, отличающиеся искренней любовью к миру, особой тщательностью в передаче деталей, сочетанием реализма и декоративности, некоторые из которых участвовали в выставке фестиваля «ФестНаив» в Москве в 2004 году.
В Тольятти на сегодняшний день существует три основных художественных союза – Тольяттинское отделение Союза художников России, Творческий союз художников России и Творческий союз художников Тольятти «Солярис». Эти организации, а также самостоятельные профессиональные художники и художники-любители постоянно творчески работают: участвуют в общегородских и персональных выставках.
Тольяттинский художественный музей, к сожалению, не располагает достаточными площадями для создания постоянно действующей экспозиции, поэтому так важно показать произведения тольяттинских художников из фондов музея на нашем сайте. Это поможет воссоздать художественную жизнь города периода конца ХХ - начала ХХI века, станет прекрасным стимулом для других художников города, чьих произведений пока нет в фондах, так как только музей сохраняет и популяризирует творчество мастеров на высоком профессиональном уровне.
В наше время художник поставлен в жесткие рамки коммерции, чтобы выжить, он должен следовать вкусам заказчика, и только музей, который смотрит на искусство объективно, отстраняясь от сиюминутных пристрастий, помогает создавать реальную картину искусства нашего города, которое и через десятилетия будет радовать и удивлять своих зрителей.
Живописные произведения заслуженных художников России Веры и Сергея Кондулуковых появились в музее благодаря плановой закупке. На портрете С. Кондулукова «Сталевар дядя Паша» 1978 г. изображен человек, умудренный житейским опытом. Художник изобразил его в минуты краткого отдыха. Мужчина погружен в свои мысли, забытая сигарета догорает в его натруженных пальцах; какое-то внутреннее беспокойство и волнение будоражат глубокими морщинами его лицо, еще не остывшее после работы в горячем цеху.
Изобилие фруктов в картине В. Кондулуковой «Натюрморт с черносливом» 1993 г. будит в нас воспоминание о последних днях уходящего лета, когда созревают яблоки, сливы, арбузы и дыни. Все это великолепие щедро представлено на круглом столе, покрытом белой скатертью. Яблоки и сливы, только что сорванные с веток, еще с листочками, веселой группой сгрудились в левой стороне картины, а важный зеленый блестящий арбуз и разрезанная сочная дыня возлежат на серебряном блюде. Зеленовато-голубая дымка окутывает всю картину, придавая ей свежесть раннего утра.
В другой работе В. Кондулуковой «Октябренок Люба» 1984 г., переданной в музей из Тольяттинского краеведческого музея, образ маленькой серьезной девочки в школьной форме советского образца удивляет своей детской непосредственностью и глубиной раскрытия образа. О чем мечтает эта девочка? Большие карие глаза устремлены мимо зрителя, крылья носа чуть-чуть напряжены, что выдает ее внутреннее волнение, а губы упрямо сомкнуты, говоря о решительности девочки и умении принимать правильные решения. Жемчужный фон стены в сочетании с коричневым цветом школьного платья придает картине классическую завершенность. Портрет небольшой по размеру, но художнику удалось показать в нем характер и самодостаточность маленького человека, что ставит это произведение на один уровень с лучшими произведениями художника.
Тема свободы, обновления, новых перемен сквозит в работе заслуженного художника России Валерия Филиппова «Свежий ветер» 1987 г. Ветер – главный герой картины, он здесь повсюду – и в рвущихся цветных флажках на мачтах корабля, и в бегущих по синему небу облаках-барашках, и в криках чаек, и в выходящем из трубы снопе серого дыма.
Пейзаж на картине узнаваем – это окрестности тольяттинского речного порта с силуэтами встающего на холме города. Но здесь, преображенный кистью мастера, он звучит по-новому, свежо и современно, несмотря на то, что прошло уже двадцать лет со дня написания картины. Картина «Свежий ветер» - одна из наиболее оптимистичных в творчестве мастера. Чистота, ясность и дух стремления к новым просторам пронизывает это произведение.
В другой картине В.Филиппова «Апельсины из Марокко» 1988 г. – образ окна с отдернутыми зелеными шторами и лежащими на подоконнике оранжевыми апельсинами – как символ свободы, дальних странствий и незабываемых приключений. Мягкий зеленовато-голубой колорит подчеркивает прохладу раннего, осеннего утра с первыми морозцами. Продольно висящие шторы, своими складками напоминающие каннелюры греческих колонн, придают картине классическую завершенность и гармонию.
Все в этом произведении символично – и бледное солнце, скупо рассеивающее холодные лучи на пологие Жигулевские горы, и белый катер с дымящейся трубой, и оранжевые апельсины, прилетевшие на волжский берег из далекой жаркой страны.
Среди представленных портретов Михаила Зыкова выделяется портрет «Анастасия» 2002 г. Если в двух других («Портрет на темном фоне» 1996 г. и «Портрет студентки» 1994 г.) художник работал в классической манере с центричной композицией. То здесь Зыков отходит от привычной для него схемы и рисует девушку иначе. Он использует в картине высокий горизонт так, что зритель смотрит на нее снизу вверх, что придает картине монументальность. Идея портрета – показать человека, уверенного в себе, в своих силах, а потому прекрасного в своем творческом вдохновении. То, как сидит девушка, как откинуты с одного плеча светлые волосы, как она смотрит прямо на зрителя, чуть-чуть улыбаясь и в то же время как-то таинственно – все это привлекает, завораживает, вызывая желание смотреть снова и снова.
Произведение Владислава Мацкевича, уехавшего из Тольятти в Ленинград в 1983 г., «Время июльских гроз» 1980 г. написано с низкого горизонта сквозь длинные стебли полевых цветов, занимающих все переднее пространство картины. Гроза уже прошла, но серо-розовые облака еще остаются на небе и не спешат разойтись и открыть путь солнечному свету. И вот, кажется, еще чуть-чуть и выглянет солнце, и заблестит, засияет все вокруг – скошенные травы в стогах, всеми цветами радуги осветится темный лес у горизонта, засверкают алмазами капельки дождя на цветах, выписанных с ботанической достоверностью и убедительностью. Художнику удалось передать то ощущение предвкушения грядущего обновления в природе, что держит зрителя в приятном ожидании.
Волжская тема была не случайна в творчестве Валерия Бузина (1946-1995). Он, коренной волжанин, с детства впитал в себя дух полноводной реки с ее заливными лугами, мощных силуэтов Жигулей. По мнению художника, ни один жанр не может дать человеку то, что дает пейзаж. Ясно выраженная идея пейзажа помогает зрителю лучше понять себя, свою сопричастность к нему. «Художник ловит ритмы Вселенной, образы окружения и мастерством своим воплощает их в искусство» - говорил В.Бузин – «В своем творчестве я ищу те ритмы, которые сделали бы мои образы искусством. А образы мои – это моя Родина, большая и малая. И ее ритмы, это ритмы моих картин. И я с упоением переношу их в мои полотна, пытаясь хоть немного передать ей свою любовь» (1994 г.). Это мироощущение художника как нельзя лучше прослеживается в картине «Яхты и море» 1976 г. Картина хорошо организована композиционно – движение песчаных бурунов слева и вверх и движение волн им навстречу помогают создать настроение мерного покачивания яхт, мелькания темных теней от заходящего солнца на поверхности воды. Стихия воды, всегда изменчивая, не ускользает от художника. Легкая, переливающаяся полутонами, палитра красок от светло-сиреневого до темно-синего с проблесками желтоватых мазков по всей поверхности, помогает дополнить это впечатление переходного состояния уходящего дня и наступления ночи.
Евгений Казанцев прожил в Тольятти не так много, около шести лет, но его картина «Воскресенье в Тольятти» 1979 г., написанная незадолго до его отъезда в Москву, стала знаковым произведением искусства конца 70-х гг.в нашем городе, своего рода визитной карточкой художественного музея. Художник создал произведение, на первый взгляд очень простое в композиционном отношении. Написан вид из окна (кстати, очень любимый прием у художников 70-80-х гг.) и часть интерьера обычной советской квартиры того времени. За окном изображен хорошо узнаваемый пейзаж типичного двора пятиэтажного дома в Автозаводском районе г.Тольятти и поднимающиеся за ним вертикали многоэтажных домов на фоне голубого неба с белыми прозрачными облаками. Теплый майский денек, вазочка с ландышами на подоконнике, звучит музыка из проигрывателя, а в центре картины художник поместил фигуру девушки в красном платье с длинными светлыми волосами. На полке за балконной дверью – такие милые атрибуты той прошлой нашей жизни, ушедшей в воспоминания, когда все мы были молоды и счастливы. Спокойствие переднего плана картины диссонирует с шумом за окном - кричит ребятня во дворе, судачат соседки на лавочках у подъезда, стучат костяшки домино, лают собаки. Образы двух сестер, таких спокойных, сосредоточенных, углубленных в свой внутренний мир на общем фоне воскресного гвалта дает возможность остановить мгновение и, окунувшись в прошлое, вспомнить свое детство.
Проникновенно и поэтично написан образ молодой девушки в красном платье. Она сидит на стуле и в тоже время как бы парит над ним – такой легкой и невесомой кажется ее фигура. Если бы художник написал только этот образ, то его очень легко представить на фоне белой стены, так как она совершенно не связана с остальным окружением. Создается ощущение, что все, что вне ее мира для нее не существует, она полностью ушла в мир музыки, в свой мир фантазий и грез. Может быть, поэтому в отражении в телевизоре художник пишет совершенно пустое, безлюдное пространство – мир, в котором живут герои его картины.
70-е гг. были плодотворными и для Ларисы Петровой. В музее находятся восемнадцать живописных произведений художника этого периода, среди которых хочется отметить портрет мальчика «Димка» 1979 г. Художник изобразил его сидящим на низком полосатом пуфике перед своими рисунками, разложенными на полу. Видимо маленький художник пришел за практическим советом к мастеру. Его склоненная поза, опущенные глаза, чуть тронутые румянцем щеки и кончики ушей, и весь сосредоточенный вид говорят о волнении, которое он едва сдерживает, боясь получить неодобрительный отзыв от профессионала. Художник намеренно затемняет интерьер комнаты, чтобы сосредоточить внимание зрителя на лице мальчика, на его переживаниях.
Живопись Шандора Зихермана, художника уже давно живущего в Венгрии, всегда декоративно-празднична. В его произведениях цвет становится организующей и творящей силой. «Портрет в голубом. Ирина» 1972 г. пленяет необыкновенной восторженностью, с которой художник относится к своей модели. Зритель сразу попадает под очарование огромных голубых глаз девушки, ее мягкой улыбки, чуть тронувшей нежные пухлые губы. Фон написан очень дробно, небольшими мозаичными плоскостями; цвет как в калейдоскопе переходит из одной параллели в другую, от нежно-голубого до фиолетового и коричневого. Самопроизвольные, даже где-то хаотичные мазки, нанесенные мастихином, позволяют увидеть и угадать в них самые необычные и загадочные сюжеты, которые рисуются в нашем воображении – то это берег моря, освещенный белой луной, то предзакатное облачное небо, то зеркальное отражение мастерской художника и многое- многое другое. Портрет, исполненный живого чувства, написанный в 1970 –е гг., продолжает волновать зрителя и сегодня своей искренностью и оригинальностью подачи образа.
Живописные произведения Виктора Петрова, созданные в период его работы театральным художником, отличают приемы, характерные для сценографии – композиционное построение, сопоставление масштабов, сочетание далекой панорамы с резко приближенной к переднему плану деталью и декоративность. Во внутренней драматургии его работ, решенных в обобщенно-символическом плане, проявляют себя законы и условность театральной метафоры. В картине «Августовские травы» 1985 г. художник строит сложную композицию, разделяя произведение, центром которого является букет полевых цветов, на две части. С одной стороны – тольяттинская улица с ритмическим рядом деревьев с кружевными кронами, фонарей, мягко мерцающих в дымке заката, и высотными домами с уютно горящими окнами. С другой стороны – бескрайнее поле с душистым августовским разнотравьем. Охристо-розовый единый цвет окутывает всю картину и наполняет произведение философским настроением.
Работа «Ночные мотыльки» 1994 г. по своей сути также театральна – открытое окно, глубокая бархатная ночь с миллионами тонущих в ней звездных алмазов, стоящий на окне кувшин с золотистыми облачками сухоцвета – как театральный задник на сцене. Откинут занавес, и представление началось – три мотылька, как порхающие эльфы в серебристых одеждах, спустившиеся с небесных светил, исполняют свой нескончаемый танец, многократно повторяющийся в глянцевых боках, покрытого синей глазурью, кувшина. Таинственность, загадочность и какая-то вечная тайна жизни отличает это произведение художника.
Картины художника Александра Горячкина узнаваемы сразу. В сдержанно-напряженных пейзажах и натюрмортах воссоздается атмосфера созерцательности и затаенного лиризма. Написанные в нетрадиционной, свойственной именно этому художнику манере, работы отличаются мягкостью и текучестью форм, гармоничной приглушенной цветовой гаммой. В картине «Дождливая весна» 1978 г. соединяется реальность и фантазия – в готическое окно медленно вплывает кудрявое облако с потоком дождя. Сложный по цвету колорит картины – зеленовато-сиреневый – сплавляет краски всего полотна в замысловатый ковер, в котором угадывается стеклянная ваза со срезанными веточками деревьев. На ветках уже распустились клейкие листочки и пушистые почки, яркими солнечными огоньками выделяются желтые цветы, с трех сторон обрамляющие вазу.
В фондах музея находятся два живописных произведения Виталия Шевелева, в конце 80-х переехавшего на постоянное жительство в г. Геленджик. В картине художника «Цветы зимой» 1976 г. – малиновые цветы фиалок на тонких длинных стеблях буквально разрывают ткань оконного стекла и, поеживаясь от холода, осторожно ступая, выходят на белый снег. Какая-то хрустальная чистота и свежесть чувствуется в самой работе. А разноцветные пластмассовые кубики, разбросанные по всей поверхности картины, оживляют произведение, вносят в него ноту детской непосредственности и игры.
В другой работе Шевелева «Вечер. Пляж» 1980 г. показано состояние, когда неживые предметы приобретают символико-аллегорический смысл. Вечер, пустынный пляж, солнце уже почти полностью опустилось за невысокие горы, озаряя все вокруг розовато-золотистым цветом. Металлические конструкции, одиноко стоящие на берегу, бывшие когда-то зонтиком и лавочками, своим несовершенным видом напоминают изломанность некоторых человеческих судеб в конце жизненного пути. Эта картина - как грустная песня о несовершенстве человеческой жизни, об уходящих людях, оставшихся одинокими и никому не нужными на закате своих дней.
Художественный почерк Вадима Киселева отличает стройность композиции, выразительный ритм обобщенных силуэтов, тщательность исполнения. В произведении «Вид из окна» 1983 г. художник изображает чистый, совершенно безлюдный и от этого какой-то сюрреалистический пейзаж. Картина освобождена от какой бы то ни было суеты. Все спокойно и в композиционном, и колористическом плане. Холодный, зеленоватый тон заливает все пространство работы. Гладь Волги спокойна и неподвижна, и даже баржа застыла как во сне. Движение в картине появляется только на переднем плане, там, где стоит горшок с кактусом. Колючие ветки-пальцы, растопырясь во все стороны, прорывают спокойствие пейзажа, нарушают его безмятежную целостность, а два висящих на кактусе колокольчика будто пытаются разбудить своим звоном это зеленое сонное царство.
Картина талантливого, но рано ушедшего от нас художника Владимира Сабаева (1962-1995), «Хозяин дач Вовка Рузанов» 1991 г. - как правдивый документ, без обиняков показывающий обратную сторону перестроечных моментов в истории России, которые привели к разным катаклизмам в жизни наших сограждан, в том числе и к беспризорности. Картина Сабаева – это рассказ о еще одной сломанной детской душе. Художник намеренно выбирает симметричную композицию, центром которой сделан главный персонаж, а справа и слева от него ряд застывших, холодных в своей неприветливости, дачных домиков. Окоченевший мальчишка в одежде с чужого плеча – не по росту маленькое кургузое пальтишко, зато большие рукавицы и валенки, идет прямо на зрителя по дороге, на которой отпечатался след от проехавшей машины. След есть, а людей нет, и ребенок остался один на один со своей неприкаянностью в холодном, отторгнувшем его мире…
Совсем другим настроением проникнута картина Сергея Нюркина «Цветут вишни» 1993 г. Вся картина наполнена радостным ощущением наступившей весны с ее птичьим, суматошным многоголосием, с ее яркой изумрудной зеленью, покрывшей все – от дачных участков до вершин Жигулевских гор. Снежные белые купы облаков, плывущие в высоком голубом небе, спускаются легким прозрачным туманом к подножию гор, оседают белыми шапками на вишневые деревья. Теме весеннего обновления вторит и изображение белых голубей, кружащихся высоко в небе.
В произведениях Жанны Исаевой, представительнице уже не существующей творческой группы «Журмарин», есть игра и сказка, жестокость и обреченность, стылая тоска, схватка и тишина пустыни… Как говорила искусствовед А.В.Павельева, для всех членов этого объединения «общим было то, что молодые художники не ставили своей целью прямое отражение предметов и явлений окружающего мира. Не отрываясь от реальности, используя методы фигуративного искусства, они свободно компоновали свои картины, для того, чтобы было возможно по-своему интерпретировать действительность и, отбросив сиюминутное, создавать обобщенные произведения, полные общечеловеческого значения».
На первый взгляд трудно определить к кому относится название картины Ж.Исаевой «Птичка» 1994 г. То ли действительно к птичке, сидящей у девочки на плече, или это она сама в пышной короткой юбке, напоминающей птичье оперение, с маленькими прозрачными крылышками за спиной. А возможно это аллегория чуда, которое надо оберегать от посягательства темных сил в образе больших бульдогов и черной кошки, сидящей на крыше собачьей конуры. Есть какой-то элемент театральной игры в этом раннем произведении художницы. Свободная птица поет и, слушая ее, замерла девочка в восторженном порыве, прижав руки к груди, слушают ее и псы, склонив набок свои страшные морды, и только черный кот не может побороть в себе натуру хищника и готовится к прыжку, чтобы завладеть этим божественным крылатым чудом. Картина Ж. Исаевой многопланова и неоднозначна по своей символической окраске. Ее яркий, переливчатый колорит - от нежно-розового до черно-коричневого – как свидетельство того, что в жизни есть и хорошее и плохое, черное и белое, день и ночь, добро и зло…
Творчество Байрама Саламова, азербайджанского художника, живущего уже давно в Тольятти, наполнено тем непередаваемым, красочным колоритом Востока, который можно впитать в себя только с молоком матери. В своем творчестве художник часто обращается к любимой теме из греческой мифологии «Похищение Европы» 1998 г. Старый и очень красивый миф о похищении Зевсом в образе быка финикийской царевны претворен в столь же красивой и подчеркнуто декоративной картине. Объединяющий ровный темно-зеленый колорит картины мягко оттеняет яркие краски узорчатого ковра и красного покрывала, золото рогов и золотой серп луны высоко в небе, разбросанные тут и там яркие огоньки полевых цветов. В центре картины – огромный бык с изогнутыми, как серп золотыми рогами, с лежащей на его спине спящей полуобнаженной девушкой. Поза Европы, ее рука, держащая кольцо в носу животного – все выражает принятие судьбы, покорность обстоятельствам, вставшим на ее жизненном пути. В свою очередь бык-Зевс также покорен своей прекрасной пленницей, о чем свидетельствует его спокойная поза и опущенные глаза; он замер, боясь пошелохнуться и разбудить девушку.
Живописные произведения Сергея Дергуна всегда поражают неожиданной цветовой интерпретацией и точностью композиционного построения. Картина «Венеция» 1999 г. покоряет безукоризненной техникой исполнения, уникальностью красочной гармонии. Взяв за основу арочную конструкцию, Дергун варьирует с этой формой, по-разному интерпретируя и размещая ее в различных ракурсах. Художник использует упрощенный язык абстрактной формы, что придает его работам чистоту и декоративность. Здания, стоящие прямо в воде, отражаются в ней разноцветными заплатками розового, серого, зеленого, синего, бежевого, желтого и других цветов. Ярусное построение композиции повторяет волнообразное очертание канала, омывающего стены домов, стоящих вплотную друг к другу, и заполняющее пространство картины от края до края. Все это наполняет полотно гармонией и ясностью и в тоже время придает ему определенную недосказанность.
Произведения С.Дергуна всегда привлекают своим нетрадиционным взглядом на окружающий мир. Предметы и события в них преображаются, но все же остаются узнаваемыми, угадываются каким-то внутренним чувством. Главная тема картины художника с детским названием «Фокус-покус» 2000 г. – магические превращения с разборными кубами, игровыми картами и другими предметами. Центр композиции занимает табурет, балансирующий на двух ножках на площадке круто спускающейся вниз лестницы. Над ним, застигнутые в момент падения, застыли магические кубы фокусника в разных положениях. Художник как бы остановил представление, чтобы показать зрителю таинство фокуса, иллюзию самого процесса. И теперь зритель может внимательно рассмотреть то, что недоступно ему в настоящем представлении. Но ведь это фокус-покус, а поэтому все равно ничего не понятно. Скрупулезная живописная техника и присущая художнику тонкая проработка деталей, помогает буквально ощутить непрочную, тонкую нить, удерживающую вместе все предметы каким-то чудесным образом.
В картине «Победа Троянского коня» 2000 г. Валерий Костаринов обращается к греческой мифологии, где Троянская война занимала одно из центральных событий. Художник предлагает зрителю живописную версию этого греческого мифа, работая в форме абстрактного искусства. Композиция картины строится из разного типа поперечных линий и пятен красновато-желтого, фиолетового, лазурно-зеленого и желтого цветов. Линии очерчивают контур, сквозь который выявляется напряженный цвет огня и пепла – это символ сожженной Трои. А чуть в стороне, правее, угадывается образ яблока - символа раздора, приведшего к началу Троянской войны. Картина завораживает своим постоянно меняющимся, но все равно узнаваемым образом Троянского коня – как отдельного героя, принесшего победу ахейскому народу.
Многозначная символика в творчестве Александра Кремнева соединяется с игровым началом. Художник пытается постичь философию жизни, остро ощущая ее проблемы. Произведения А.Кремнева можно назвать фантазиями, порожденными реальностью. В картинах, приглашающих к размышлению, затрагиваются значимые для людей темы. Форма, условность языка живописи зачастую соединяются с парадоксальностью решения. Условность цвета и пейзажа в картине «Ждущая» 1994 г. не умаляет ее психологической сути, скорее, наоборот – превращает ее в метафору ожидания. Одинокий дом с темными глазницами окон на красном берегу, несмотря на свой масштаб, не становится главным объектом в картине. Главный персонаж картины – женщина в белом, бесконечно вышагивающая по узкой кромке берега в монотонном, подчиненном своему внутреннему состоянию, ритме. Все ощущения, тревоги и ожидания женщины сконцентрировались в узкой полоске пляжа у нее под ногами. Пространство картины напоминает внутренность картонной коробки, откуда нет ни выхода, ни просвета, а ожидание может длиться целую вечность… Это более сон, чем явь, но от этого напряжение от картины не убавляется.
Виктор Софронов продолжает линию реалистического искусства в рамках академической школы. Для его пейзажей и жанровых произведений характерны продуманность композиций, сдержанность цветового решения и уравновешенность.
Определенное место в творчестве В.Софронова занимает религиозная тема. По словам самого художника при работе над произведением «Христос рождается, славите!…»(Рождественская молитва) 2000 г. ему помогал образ картины Питера Брейгеля «Охотники на снегу». То же соединение тишины и особой Божественной благодати, разлитой в зимней природе, как и у фламандского художника. Композиция картины разворачивается из нижнего левого угла к верхнему правому. По заснеженной тропке медленно поднимаются вверх от замерзшей реки три послушника с ведрами полными воды в сопровождении рыжего пса. Самый юный из них остановился и смотрит, улыбаясь, прямо на зрителя.
Вся картина наполнена тонкими, звенящими переливами Рождественских колоколов с колокольни ближайшей церкви, гомоном ребятни, играющей на льду речки, легким шумом пролетающей сороки и ломким хрустом снега под ногами послушников. Художник показывает настроение светлого праздника Рождества Христова и в картине ясно чувствуется это соединение Божественного и земного.
Игорь Панов, также как и Виктор Софронов, художник академического направления в живописи. В 2005 г. его картина «Старое пальто» 2005 г. стала победителем конкурса «Художественное произведение года» и была закуплена в фонды Тольяттинского художественного музея. Неровная, почти скульптурная поверхность холста, помогает созданию образа в натюрморте «Полевые цветы» 2005 г. Цветы, стоящие в двух кувшинах и лежащие на круглом столе, буквально не умещаются в картине, им тесно в ее рамках, они выходят за пределы замкнутого пространства. Потому что основная их жизнь там, за пределами картины – в полях, где ярко светит солнце, стрекочут кузнечики, веет теплый ласковый ветерок. Только там, на открытом просторе, они пахнут особым горьковатым запахом полуденного зноя, запахом свободы.
Картина Людмилы Косточка «На зимний причал. Яхт-клуб» 2003г. также вышла в победители конкурса «Художественное произведение года – 2004». Поздняя осень, небо подернуто серыми холодными облаками, чувствуется приближение зимы и первых морозов.
Колорит картины построен на сочетаниях голубоватых, коричневых и серых красок, это любимая художником цветовая гамма. Безлюдный пейзаж, застывшие катера и яхты и их повторение в зеркальной глади холодной воды – как долгий сон о несбывшихся надеждах и утраченных иллюзиях.
Аллегория заключена и в триптихе Марины Варфоломеевой «Музыка» 2005 г. Символический образ музыки передан в характерной для художника манере – мягких, приглушенных, полупрозрачных, растекающихся красках. Ангелы посылают звуки музыки миру людей, показанному в круглых кронах деревьев с силуэтами домов. Именно там живут люди, на которых нисходит вдохновение, позволяющее создавать одно из великих таинств – Музыку.
Интересны и графические работы тольяттинских художников в коллекции художественного музея. Одно из самых поэтических произведений Шандора Зихермана – это его офорт «Мать и дитя» 1959 г. Что может быть лучше и чище образа женщины- матери, кормящей ребенка. Сколько нежности, ласки и доброты заложено художником в этом сюжете. Используя ограниченные художественные возможности офорта, Зихерман создал цельный, гармоничный, запоминающийся образ. Рисунок обозначен полупрозрачно, намечен всего несколькими штрихами, что придает работе воздушность и невесомость.
Акварели Надежды Овсянниковой всегда тонкие, изящные и в тоже время архитектурно-графичные. В картине «Зимний вечер в Бахиловой поляне» 1986 г. – уютно светятся окошки в деревенских домах, деревья утопают в голубом пушистом снегу, маленькая лодочка застыла у берега на блестящем льду, а по узенькой тропинке не спеша, идут в гости нарядные мама с дочкой. Фонарей вокруг нет, поэтому свет в своем доме женщина предусмотрительно оставила включенным. Тонкие кружева деревьев с четкой прорисовкой ветвей придают картине легкость и изысканность.
Владимир Сабаев был художником, глубоко чувствующим природу, ее тонкие переходные состояния. Его любимым местом в окрестностях Тольятти были Жигули и село Бахилова поляна. Именно здесь была создана картина «Бахилова поляна. Пейзаж с лодкой» 1994 г. Раннее утро, еще не рассеялся до конца туман, обволакивающий дальние горы, а первые лучи солнца уже осветили заснеженные крыши деревенских домов, деревья, еще не стряхнувшие окончательно листьев со своих веток и пологий склон берега у Волги, со стоящей на зимнем приколе рыбацкой лодкой.
Иногда переход от золотой осени к поре ненастья случается в один день – такой, как изображен на картине Нины Надеиной «Конец сентября» 1997 г. Порыв ветра гнет тополя, срывает листья, в холодном голубом небе несутся облака. В еще недавно золотых кронах появляются драматичные красноватые акценты. Мечутся последние яркие краски перед наступающим бесцветьем. Неподвижен и тих лишь старый дом. Вид на него открывается между деревьями, как сквозь театральный занавес. Его серые стены хранят память о многих ненастных и погожих днях. Внутри этого дома тоже, возможно, идет жизнь, но в данном случае важен сам дом как персонаж, старый и мудрый, готовый укрыть от непогоды каждого, кто ступит на его порог.
Произведения Татьяны Минсафиной несут на себе смысловую и символическую нагрузку. Каждая картина – это возможность высказаться, показать свой внутренний мир через представленный образ. В ее картине «Свет» 1997 г. – показан образ молодой женщины, сидящей в темной комнате, взгляд ее устремлен в окно и в тоже время внутрь себя. Время остановилось на мгновение, на ту долю секунды, когда вдруг кажется, что проходит вечность…. Татьяна любит включать в свои работы стеклянные поверхности, которые помогают ей раздвинуть пространство картины, разбить ее однообразие. Если в картине «Свет» - солнечный свет из окна отражается от открытой стеклянной дверцы, то в картине «Старый Новый год. Автопортрет» 2000 г. – женщина видит свое отражение в вечернем окне, где наряду с ней отражаются и разноцветные стеклянные шары, висящие на елке. На ее лице застыло удивление, губы чуть тронула улыбка. Женщина вглядывается в свое отражение, как бы стараясь прочитать будущее, что предначертано ей судьбой. Вечерний сумрак окутал все, придавая картине таинственное новогоднее настроение.
В большинстве работ Татьяны Чириковой просматривается одновременно доброе и ироничное звучание. Во всех ее картинах зритель находит картинах что-то знакомое, отдаленно напоминающее собственные ощущения, восприятия; чувства, возникающие на грани сновидений и реальности.
В картине «Трио» 1998 г. изображен так называемый любовный треугольник. Стоящая в воде троица – двое мужчин и женщина, явно поющие не в один голос, а кто во что горазд. Картине «Трио» свойственны ироничность и некоторая гротесковость: женщина – это главный трофей, за который борются двое мужчин – интеллигентный, но безынициативный, в косынке и нагловатый, самоуверенный, в белой шляпе. Неизвестно, кого выберет эта женщина – ее голова, как у китайского болванчика, наклоняется то влево, то вправо, поочередно отмечая плюсы и минусы одного и другого.
Для творчества Сергея Галеты характерен постоянный творческий поиск. «В его сочиненных, преломленных через свое «я» пейзажах и композициях окружающий мир символичен, полон догадок и намеков. В содержании его работ заложена идея потаенной, потусторонней значительности зримых явлений и предметов» (А.В.Павельева).
Всегда интересно открывать в художнике какие-то новые необычные грани. В непривычной для творчества С.Галеты картине «Прогулка с Ангелом» 1998 г. явственно прослеживаются черты мистического символизма. В картине все зыбко и призрачно, зритель видит перед собой реальность, преобразованную сновидением: корявые деревья-оборотни, призрачные бесплотные птицы, застывшая зеркальная гладь воды, высотки блочных домов с пустыми глазницами окон… В это безлюдное, зеленоватое и даже где-то жутковатое пространство художник вводит неожиданный персонаж – гуляющую девушку с собачкой. Но ей не стоит ничего бояться, так как от всех неприятностей этого мира ее защищает светлый Ангел, держащий над ней раскрытый зонтик Надежды.
Основываясь на реалистическом изучении окружающей действительности, Федор Юрицын увлекается поисками новых форм выразительности. Основное творческое кредо художника – «Меня интересует душа предмета, ее поэтическое состояние». Состояние, переданное в картине «Утренний натюрморт» 1999 г.- это переход от ночной темноты к дневному многоцветью. Пробуждающиеся краски мерцают розовыми, зелеными, изумрудными и охристыми тонами. Сиреневые краски ночи еще прячутся в букете полевых цветов, но и на них уже играют золотистые лучи солнца. Техника исполнения работы – акварель по-сырому, усиливает ощущение свежести утреннего тумана, легкой дымкой окутавшего цветы.
Елена Смурова – самый загадочный из тольяттинских художников-графиков. Сюжеты ее картин всегда неоднозначны, оригинальны, наполнены поэзией также как и названия ее работ. В картине «Северный ветер. Зима в Коктебеле» 2004 г. – тихая задумчивая девушка сидит у окна, за которым расстилается холодная гладь Черного моря. Две груши, лежащие в тарелке на подоконнике, повторяют линию головы девушки, прислонившейся к серой стене. Минимализм в цветовом и композиционном решении отличает эту работу художника. Тихая меланхолическая грусть является лейтмотивом всего произведения – она сквозит и в легких облаках, висящих на сером небе, и в ровной поверхности моря, и в нежной девичьей руке, осторожно касающейся стула, и в общем серовато-синем колорите картины.
Работа Шандора Зихермана «Пастух с волынкой» 1987 г. выполнена из шамота и является моделью скульптуры, созданной художником из розового горного конгломерата во время Симпозиума скульпторов по камню в Тольятти в 1987 г. Скупая лаконичность форм этой композиции напоминают образы «каменных баб» эпохи бронзы. В ритмическом строе декоративных форм возникает музыкальная плавность линий, по которым одновременно моделируется объем фигуры, распределяются ее массы. Условная композиция произведения и ее цвет – желтовато-охристый – придает скульптуре законченный, знаковый характер.
Образ женщины-мадонны с готически вытянутыми формами тела и маленькой головкой с нимбом над ней передан в скульптуре «Ожидание» 2003 г. молодого скульптора Дмитрия Власова. В этой простой условности есть своя красота и чистота образа, как в древних скульптурах первобытных богинь. Это одновременно и мадонна, и древний символ плодородия. В тоже время образ, воплощенный в скульптуре «Ожидание», очень современный и монументальный, ее очень легко представить и в большом размере в центре открытого пространства.
Лариса Москвитина,
искусствовед,
замдиректора Тольяттинского
художественного музея по научной работе
